Angle[s] de vue

[Critique initialement publiée sur Cinétrafic - http://www.cinetrafic.fr/]

L’oeil invisible du titre peut être vu comme celui de la junte militaire qui a sévi en Argentine depuis le coup d’état du 24 mars 1976 jusqu’à la défaite de la guerre des Malouines en 1982. 
Le 24 mars 1976, c’est la date de naissance du cinéaste Diego Lerman, qui a été marqué par cette période sombre de l’histoire de son pays.
Et 1982, c’est l’année où se déroule son nouveau film, juste avant la chute du régime…

Tout se passe en vase clos, dans un établissement scolaire très strict et guindé, le lycée national de Buenos Aires, chargé de former les jeunes esprits destinés à devenir les élites de demain. Un microcosme très hiérarchisé, symbolique du pays sous la dictature où chacun est sous l’emprise d’une couche de pouvoir supérieur, avec en haut de la pyramide, le général-dictateur et en bas, une jeunesse opprimée, étouffée… On a donc d’un côté un pouvoir archaïque, sur le déclin, et de l’autre une jeunesse tournée vers l’avenir, désireuse de changement et de liberté… Et entre deux, des maillons de la chaîne dictatoriale, chacun jouant le rôle pour lequel il a été conditionné.
Il y a cette jeune femme, Marita, qui occupe un emploi de surveillante dans le lycée. Elle n’a que 23 ans mais elle est si sévère, si stricte, si formatée selon les codes moraux du régime qu’elle paraît vieille. Mais peu à peu, elle se laisse envahir par ses pulsions sexuelles, son désir, son trouble pour un jeune étudiant et elle s’adonne en cachette aux plaisirs solitaires dans les toilettes des garçons… 
Il y a aussi son supérieur, Monsieur Biasutto, le surveillant en chef. Encore plus guindé et plus strict qu’elle. Et plus frustré sexuellement… Il se montre de plus entreprenant avec elle, n’attendant que l’occasion de la soumettre à son propre désir…

Ce sont ces personnages que le cinéaste choisit d’observer, car leurs tiraillements et leurs troubles, les luttes qui les agitent créent une ambiance intéressante, où le sexe et la violence, étouffés, ne demandent qu’à jaillir. Un peu comme dans les films que Carlos Saura tournait dans les années 1970, sous la dictature franquiste. On pense notamment à Ana et les loups ou au Jardin des délices…
  
… En moins bien, quand même. Le film est un peu trop linéaire et manque de rythme. Diego Lerman utilise néanmoins au mieux son décor et joue sur les angles de vue pour mettre en place une atmosphère oppressante, glaciale.  
En fait, tout tient surtout sur l’interprétation de la jeune actrice Julieta Zylberberg, mystérieuse et charnelle, qui apporte au personnage toute l’intensité souhaitée, et sur celle d’Osmar Nuñez, glacial de perversion et de violence sous-jacente.

C’est à Cannes, en 2010, à la Quinzaine des réalisateurs pour être plus précis, que le film a été remarqué.
Mais c’est aussi à cause d’une sortie sa sortie en plein festival de Cannes 2011 que son exploitation en salles est passée injustement inaperçue.
Cette sortie DVD est donc  l’occasion de (re)découvrir ce “petit” film dont le propos, on l’a vu avec les récentes révolutions arabes, est toujours d’actualité.

______________________________________________________________________________

L’Oeil invisible  La Mirada invisible Réalisateur : Diego Lerman Avec : Julieta Zylberberg, Osmar Nuñez, Marta Lubos, Gaby Ferrero, Diego Vegezzi Origine : Argentine Genre : autopsie d’une dictature  Durée : 1h20 Note : ●●●●○○

_______________________________________________________________________________

BONUS

- Making of 

Note globale des bonus :  ●●●●○○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

ARTICLES LIES

Retrouvez sur Cinetrafic les films de cette année sur la catégorie Film 2011 ou découvrez la catégorie Film récent.

[Critique initialement publiée sur Cinétrafic - http://www.cinetrafic.fr/]

En 2007, les cinéphiles assistaient à la naissance d’une cinéaste – Céline Sciamma – en même temps qu’à La Naissance des pieuvres, son premier long-métrage. Une oeuvre intelligente et subtile sur la période compliquée de l’adolescence, entre besoin d’émancipation, recherche d’une identité sexuelle et premiers émois sentimentaux.

Pour son second film, Tomboy, Céline Sciamma choisit de creuser le même sillon, mais avec une approche sensiblement différente.
La Naissance des pieuvres était un film très “écrit”. A l’origine, il s’agissait du script que la jeune femme a rédigé lors de sa formation de scénariste à la Fémis. Elle y employait des symboles audacieux, autour de l’élément aquatique et de la natation synchronisée, opposait la surface – calme et lisse – aux profondeurs – tumultueuses – pour signifier les transformations à l’oeuvre chez ses jeunes protagonistes, à l’aube de l’adolescence. Esthétiquement, c’était un film aux dominantes bleutées et aux lumières éthérées.
Tomboy est un film solaire, aux lumières très crues. C’est une oeuvre plus “simple”, plus brute, tournée dans l’urgence avec une économie de plans volontaires et une narration resserrée autour d’une trame beaucoup plus basique. Ce qui ne veut pas dire qu’il s’agit d’un film moins abouti, loin de là…

Le point de départ de l’histoire est un malentendu.
Au coeur de l’été, un couple, qui attend un heureux événement, emménage avec ses deux enfants dans un nouvel appartement, dans une petite ville de Seine-et-Marne. L’aînée, Laure, une fillette de dix ans, s’aventure hors de l’appartement, espérant pouvoir s’intégrer à un groupe de jeunes de son âge qui profite du beau temps pour jouer en plein air. Lisa, une jeune voisine vient à sa rencontre et la prend pour un garçon. Il est vrai que la gamine a une allure de garçon manqué (“Tomboy” en anglais) : cheveux blond coupés courts, visage androgyne, short et vêtements peu féminins.

Est-ce par honte d’être prise pour un garçon, par crainte d’être rejetée pour ce qu’elle est ou par défi ? Toujours est-il que Laure ne relève pas cette erreur de jugement. Au contraire, elle en joue et décide de se faire passer pour MIchael…
La supercherie n’est décelée par aucun des enfants du voisinage, qui acceptent volontiers ce “petit nouveau” dans la bande. Grisée par cette possibilité de se glisser dans la peau d’un garçon, d’être quelqu’un d’autre, de s’affirmer dans cette différence, Laure s’enferre peu à peu dans le mensonge. Elle doit déployer des trésors d’imagination pour que les autres enfants ne découvrent pas sa véritable nature et pour que ses parents ne se rendent pas compte de son petit manège. Mais les choses se compliquent d’une drôle de façon quand Lisa tombe amoureuse de Michael, ce garçon pas comme le autres. Laure prend du plaisir à ce jeu de séduction, à la beauté fragile de ces sentiments…

Le film est alimenté par une tension grandissante, une forme de suspense. La découverte du secret de Laure/Michael est inéluctable. Au plus tard, elle n’interviendra qu’à la fin de l’été, quand il faudra retourner à l’école. Dans ce quartier isolé, tous les enfants de la bande se retrouveront dans la même classe et Laure ne pourra alors plus cacher sa véritable identité, son véritable sexe…
Mais avant cela, les occasions d’être démasquée ne manqueront pas. A quel moment la vérité éclatera-t-elle? Dans quelles conditions? Et avec quelles conséquences pour la jeune fille? Pour son rapport avec les autres enfants? Pour son rapport avec Lisa? Tels sont les enjeux dramatiques de l’oeuvre.

Cette construction permet à Céline Sciamma l’univers de l’enfance – léger et aérien, fantasme d’un été qui ne s’arrêtera jamais et où tout est permis – à celui des adultes – beaucoup plus brut et cruel, retour à la réalité et au respect des normes… Simpliste? Non, car la cinéaste ne raconte pas, comme tant d’autres, une histoire de perte d’innocence et d’acquisition de la maturité. Elle traite d’un véritable trouble identitaire et existentiel qui va au-delà de son personnage, avec, au coeur du propos, une question passionnante : Qu’est-ce qui façonne un individu, qui détermine ses préférences, ses goûts individuels, qui forge son caractère ?

Dans le cas de Laure, pourquoi est-elle plus attirée par les jeux de garçons, par les vêtements de garçon ? Pourquoi n’est-elle pas aussi féminine que sa petite soeur ?
On penche, un temps, pour l’environnement familial. Mais Céline Sciamma a bien pris garde de lui donner des parents on ne peut plus ordinaires, un couple uni et offrant à ses enfants un environnement stable et serein, et toute l’affection dont ils ont besoin. A la rigueur, on peut se dire que le père aurait rêvé avoir un fils et l’a élevée comme un garçon, mais l’hypothèse est un peu tirée par les cheveux… Non, on ne peut pas dire que son côté ‘”garçon manqué” soit lié à des problèmes familiaux…
De toute façon, au début du film, Laure ne s’est jamais vraiment posé de question quant à son sexe. Elle est une fille, point. Et elle aime les jeux de garçon, point. Elle est comme elle est…

Ce qui va changer la donne, c’est le quiproquo qui survient lors de la rencontre avec Lisa. Et le fait que personne ne remette en question que Laure/Michael soit un garçon. C’est le regard des autres qui la place dans un genre plutôt qu’un autre. Et ce regard est biaisé par des idées reçues, des stéréotypes, des normes…
Au départ, on ne connaît pas le sexe de cet enfant au visage androgyne. Jusqu’à la rencontre avec la jeune voisine, la cinéaste ne donnera aucune information sur son sexe, et ne révèlera le pot-au-roses que dans l’une des scènes suivantes. Pourtant, on parie plus facilement pour un garçon. Pourquoi? Parce que Laure porte un short et un débardeur. Parce qu’elle a les cheveux courts. Parce qu’elle prend du plaisir à conduire la voiture de son père, assise sur ses genoux. Un look de garçon, une attitude de garçon. Du moins, selon l’imagerie classique du petit garçon…

Pour une petite fille, la norme, c’est de porter une robe, d’avoir des cheveux longs et de jouer à la poupée.
D’ailleurs, quand la mère de Laure apprendra la supercherie de sa fille, elle s’empressera de lui faire porter une robe avant de la contraindre à avouer la vérité à ses petits camarades. Une façon de la remettre dans le droit chemin pour la mère, une humiliation pour la fillette…

La question de la “normalité” se pose aussi – et surtout – pour la nature de la relation entre Laure/Michael et Lisa.
Les deux fillettes tombent clairement amoureuses l’une de l’autre, prennent du plaisir à ces sentiments partagés. Tant que Lisa est amoureuse de Michael, tout va bien. Le reste du groupe cautionne cette idylle, hormis quelques jaloux eux-même amoureux de Lisa. Mais dès que le secret de Laure est dévoilé, le groupe presse les deux fillettes d’y mettre un terme : “deux filles ensemble, c’est mal”, dira l’un des garçons. Là encore, c’est une question de norme, d’éducation selon des critères moraux déterminés.
Ce sont pourtant les mêmes individus, les mêmes sensibilités, les mêmes sentiments sans doute, mais un simple changement de prénom modifie toute la perspective. N’est-ce pas là quelque chose d’absurde?
Evidemment, si Laure n’avait pas menti sur son sexe, Lisa n’aurait probablement pas nourri les mêmes sentiments vis à vis d’elle. La barrière de la norme, de l’éducation, aurait modifié leur relation. Mais Laure – voire peut-être LIsa – aurait probablement pris conscience plus tard de son homosexualité. Car c’est bien de cela qu’il s’agit…

L’histoire toute “simple” d’une supercherie identitaire se transforme en véritable plaidoyer pour le droit à la différence et l’abolition des préjugés, des normes étouffantes et réductrices.
Le sujet tient à coeur à la cinéaste. Elle s’est probablement beaucoup livrée dans cette histoire que l’on devine inspirée d’éléments autobiographiques. Et son film n’en est que plus touchant.

Outre son propos, le film brille de par son environnement esthétique. Céline Sciamma a conservé la même équipe technique que pour La Naissance des pieuvres.
Pour la partie image, l’excellente Crystel Fournier exploite au mieux les fonctionnalités de sa caméra – un appareil photo Canon 7D – livrant une superbe composition, colorée, lumineuse, solaire, et confirme au passage qu’elle est l’une des meilleures chefs-op’ de l’hexagone.
Le film est dépourvu de musique, afin de ne pas surligner inutilement les émotions des personnages, mais la cinéaste a néanmoins tenu à marquer l’amour naissant des deux jeunes filles par un morceau musical, une chanson dynamique avec un fond de mélancolie. Elle a confié le travail à Para One, déjà responsable de la bande-originale de son précédent film…

Mais malgré la finesse du propos, malgré les qualités artistiques déployées, le film n’aurait pas été aussi enthousiasmant sans d’excellents acteurs. Et sur ce plan-là, il n’y a rien à redire non plus.
Après La Naissance des pieuvres et son joli trio de jeunes actrices, Céline Sciamma confirme ici qu’elle est une formidable découvreuse de talents, doublée d’une directrice d’acteurs surdouée.
Il n’est jamais facile de travailler avec des enfants. Souvent, ils ont tendance à surjouer leurs scènes, à manquer de naturel. Ici, tous, sans exception, sont d’une justesse absolue.
Mettons quand même en avant la performance de Zoé Héran, remarquable dans le rôle de Laure/Michael. Malgré son jeune âge, la jeune fille réussit à retranscrire à la perfection les doutes et les questionnements qui agitent son personnage, tout en intériorité et en finesse.
Et aussi celle de Jeanne Disson, troublante et troublée Lisa, en pleine confusion des sentiments.
Ou encore celle, irrésistible de la très jeune Malonn Lévana. Espiègle, malicieuse, pleine de vie et confondante de naturel. Dieu que cette gamine est attachante! Si elle continue de fréquenter les plateaux de tournages, nul doute que cette petite actrice est promise à une belle carrière. On parie ? Premiers éléments de réponse dans le Polisse de Maïwenn, dans lequel elle joue un petit rôle…

Résumons un peu… Une histoire épurée de tout artifice mélodramatique, un propos intelligent et subtil, des comédiens attachants et bouleversants, un environnement esthétique de haute tenue et une mise en scène qui fonctionne à l’énergie brute, terriblement efficace. Toutes ces qualités font de Tomboy une vraie réussite, qui impose Céline Sciamma comme une des cinéastes qui comptent dans le paysage audiovisuel français. On attend son prochain film avec impatience…

______________________________________________________________________________

Tomboy Tomboy Réalisatrice : Céline Sciamma Avec : Zoé Héran, Jeanne Disson, Malonn Lévana, Sophie Cattani, Mathieu Demy Origine : France Genre : garçon manqué, film réussi  Durée : 1h25 Note : ●●●●●○

_______________________________________________________________________________

BONUS

- Entretien avec Céline Sciamma
- sous-titres sourds & malentendants
Note globale des bonus :  ●●●○○○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

ARTICLES LIES

Rendez-vous sur Cinetrafic , retrouvez les films de cette année sur la catégorie Film 2011 ou trouvez un bon film à voir !

Credit : © 2011 – Hold-Up Films & Productions / Lilies Films / Arte France Cinéma

[Critique initialement publiée sur Cinétrafic - http://www.cinetrafic.fr/]

Bureaux d’Angle[s] de vue, le 16 juillet 2011…

- Hé les gars, qui c’est qui veut critiquer le DVD de Fighter, qui vient juste d’arriver sur les bureaux de la rédaction?
- Moi!
- Non, Moi!!!
- Kssssshhh (feulement de chat)…
- Bon, OK, puisque vous êtes prêts à vous battre. Allez hop, sur le ring. Le vainqueur aura le droit de chroniquer la galette…

Combat n°1 : Marc-Georges, connu sous le nom de l’escargot du Havre – de par son rythme de publication sur ce site, hi hi… – est sur le ring contre euh… El PaKa Loco. Oui, bizarrement, l’ami PaKa s’est équipé d’une tenue de catcheur mexicain inspirée de celle de Tequila, l’un des Luchadores du BD-serial “Lucha Libre” (dont le premier volume de l’intégrale vient d’être publiée chez Les Humanoïdes associés, soit dit en passant).
Marc-Georges attaque directement, assommant son adversaire d’anecdotes concernant cette obscure actrice oubliée qui a joué dans le 3ème épisode de la deuxième saison des “Brigades du Tigre” ou la liste exhaustive de tous les films ayant été tournés au Havre et dans la pays de Cau…
Mais le PaKa Loco ne se laisse pas faire. Empilant toutes les bédés qu’il a lues ces derniers mois, il se construit un gigantesque plongeoir et saute sur le malheureux MG, l’écrasant de son corps de loukoum gavé de pâte à tartiner aux noisettes et de beurre de speculos. (Mais bon, heureusement que ce n’est pas Boustoune qui a sauté, hein, sinon c’était la morgue direct…)
Piégé, Marc-Georges subit le terrible étranglement du PaKa Loco et jette l’éponge… PaKa vainqueur…

Combat n°2 : Le PaKa Loco doit affronter Scara le poids mi-mouche. Un sacré client… Tout de suite, on voit qu’il est plus fort. En tant que félin, il a “l’oeil du tigre”… Mais la PaKa Loco le neutralise d’emblée avec sa technique d’engluement appelée “stratégie Spideman”. D’un coup de griffe, Scara se dégage. Il enfile une robe de chambre et une perruque filasse noir de jais et marche bizarrement, comme le fantôme de la petite japonaise de Ring. Effet radical, le PaKa Loco fait dans son froc et quitte le ring, justement. Quelle flippette!  Scaramouche vainqueur par Chat-o…

Bon, c’est lui qui a gagné le droit d’écrire cette critique…

- Hé, oh, non… Tout ça, ça m’a fatigué, faut que j’aille faire ma sieste, moi…
Pfiuuu…

Bon, chalut les humains,
Je ne vais pas trop me fatiguer et je vais donc reprendre ma belle chronique écrite pour la sortie du film en salle…
Ben oui, je l’avais déjà vu. Hé hé hé… Ca m’a permis d’avoir un coup d’avance sur les petits rigolos qui me servent de collègues…

Il faut dire aussi que j’aime bien les boxeurs.
Non, pas ces pitoyables représentants baveux de l’espèce canine, mais ces sportifs qui montent sur le ring pour se refiler des uppercuts au menton, des directs du droit et des crochets du gauche. Ce sont les rares humains à être aussi doués pour le combat rapproché que nous autres félins, qui aimons nous filer des peignées pour un territoire, une femelle ou juste pour faire un peu d’exercice…

J’aime bien aussi les boxeurs au cinéma, parce que ça donne des films souvent intéressants. Des classiques hollywoodiens, déjà, comme Nous avons gagné ce soir, L’homme tranquille ou Gentleman Jim ; des biographies comme celles de Rocky Graziano (Marqué par la haine), Mohammed Ali (Ali), Jake LaMotta (Raging bull) ; des mélodrames (Million Dollar baby) ; des comédies (Ca va cogner) ; des polars (La Nuit du défi) ou des films socio-psychologiques (le premier Rocky, The Boxer).
A chaque fois, il est passionnant de voir des personnages surmonter leur souffrance physique et puiser dans leurs ressources morales pour vaincre leur adversaire, ou faire des perdants magnifiques ayant réussi à dépasser leurs limites.
Et chaque fois, je vibre pour les héros lors d’un combat final forcément âpre et disputé.

Fighter, le nouveau film de David O. Russell, ne pouvait donc que me plaire, vu qu’il cumule toutes les qualités des grands films sur la boxe précités.

Déjà, il s’agit d’une vraie success-story, celle des demi-frères Micky Ward et Dick Eklund, qui réussirent, le premier sur le ring et le second comme entraîneur/conseiller technique, à apporter à leur famille la ceinture de champion du Monde des poids welter.

Et, chose intéressante à l’écran, cette victoire s’est construite dans la douleur, sur fond de psychodrame familial.
Micky Ward a dû composer avec une structure familiale clanique un peu trop envahissante, notamment une mère dirigiste et étouffante faisant office de manager et sept soeurs pas commodes pour l’assister. Sans compter son entraîneur de frère, ancien boxeur professionnel ayant eu sa petite heure de gloire lors d’un combat contre Sugar Ray Leonard mais n’ayant jamais été en mesure de gagner un titre, et qui, depuis l’arrêt de sa carrière de boxeur, avait sombré dans la drogue et passait beaucoup de temps à fumer du crack avec ses potes zonards.
Pas facile, dans ces conditions, de s’entraîner sérieusement pour un championnat du monde. Les combats auxquels il était inscrits par sa mère s’avéraient foireux la plupart du temps, comme celui où il avait dû affronter un type issu de la catégorie de poids supérieure – tout en muscles – et il perdait un temps fou à attendre son frangin, parti planer dans son coin…

Il s’en est sorti grâce à l’aide de son père, de son ami O’Keefe et de sa fiancée Charlene, qui lui ont trouvé un manager plus sérieux et un environnement plus serein. Il a ainsi pu reprendre sa marche en avant vers la victoire.
Pendant ce temps-là, Eklund a purgé une peine de prison et suivi une cure de désintoxication. Il est sorti, clean et affûté, juste à temps pour entraîner et conseiller son frère en vue du match pour le titre mondial. Avec le succès que l’on connaît…

David O. Russell commence par nous dresser le portrait de deux loosers. Au début du film, Eklund n’est qu’un fanfaron qui se repose sur un vieux moment de gloire et fait croire à son grand retour dans le monde de la boxe alors qu’il n’est clairement plus en état de faire grand-chose. Et Ward est sur le point de renoncer à ses rêves de gloire sportive, prêt à jeter l’éponge et à se construire une nouvelle vie plus « normale », avec femme et enfants.
Puis, il montre l’évolution des rapports de force au sein du clan familial, bouleversés par l’irruption de la nouvelle fiancée de Ward, Charlene, qui n’hésite pas à tenir tête à la horde de sœurs castratrices. Ceci donne beaucoup de force au récit, d’autant que les personnages sont incarnés par d’excellents acteurs : Mark Wahlberg incarne de façon convaincante Micky Ward et trouve là l’un de ses plus beaux rôles depuis The Yards, autre histoire de famille complexe et tourmentée, Amy Adams est également très bien dans le rôle de sa compagne, barmaid au caractère bien trempé. Quant à Melissa Leo, qui joue la mère excentrique de Ward, et Christian Bale, qui incarne Eklund, leurs performances ont été récompensées par les oscars des meilleurs seconds rôles masculin et féminin en février dernier.

Enfin, il boucle le film de la plus belle des façons, avec un combat final très bien rendu, qui électrise la salle de cinéma autant que les spectateurs autour du ring.
On a beau connaître le résultat final, on se retrouve happé par le suspense autour de l’issue du combat, le souffle coupé à chaque coup encaissé par le héros, craignant pour sa santé…

Et le KO final nous met nous aussi au tapis, lessivés et heureux.
Bien sûr, il se trouvera toujours des esprits chat-grins pour dire que David O. Russell se contente de recycler de vieilles recettes du genre, que son film est très « hollywoodien ». Peut-être, mais en même temps, il s’agit d’une histoire vraie, il ne va pas se compliquer la vie en rajoutant des tas de trucs inutiles, non plus. Et si les vieilles recettes fonctionnent toujours, il serait idiot de tenter quelque chose de différent et de se planter totalement, non ?

Ben moi, j’ai aimé cette belle histoire de réussite sportive, cette relation fraternelle tumultueuse et cette ambiance particulière, ce petit je ne sais quoi que l’on retrouve dans les meilleures productions en provenance du pays de l’Oncle Sam…

Aussi, je suis bien content de pouvoir remettre en avant ce Fighter à l’occasion de sa sortie en DVD et Blu Ray, d’autant qu’il y a pas moins de 15 scènes coupées à découvrir, soit près de 20 mn supplémentaires…

Bon, faut que je vous laisse, il y a le PaKa Loco qui revient, furibard, pour la revanche. Je vais acheter des bananes, je sais que c’est sa kryptonite à lui… Hé hé…

Plein de ronrons,
Scaramouche

______________________________________________________________________________

Fighter The Fighter Réalisateur : David O. Russell Avec : Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo, Amy Adams, Jack McGee Origine : Etats-Unis Genre : coup de poing Durée : 1h53 Note : ●●●●●○

_______________________________________________________________________________

BONUS

- Coulisses du tournage (30 mn)
- Commentaire audio de David O. Russell (VOST)
- "Garder la foi" (8 mn) 
-  15 scènes coupées dont 8 commentées par David O. Russell (21 mn)
- Bandes-annonces
Note globale des bonus : ●●●●●○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

ARTICLES LIES

Fiche du film sur Cinétrafic
La Boxe dans le cinéma américain

Quand a débuté le 60ème festival de Cannes, peu de festivaliers auraient parié sur le triomphe du film de Cristian Mungiu, 4 mois, 3 semaines, 2 jours. Sauf ceux qui, comme nous, avaient été enthousiasmés par  Occident, son premier film, présenté à La Quinzaine des Réalisateurs en 2002.  
Nous avions eu du flair en prédisant que ce film-là créerait la surprise au palmarès, sans toutefois imaginer qu’il serait en mesure de briguer la récompense suprême…
On connaît la suite : 4 mois, 3 semaines, 2 jours a remporté la palme d’or et, même si le public  l’a un peu boudé lors de sa sortie en salles, le succès critique a, lui, été au rendez-vous, imposant le cinéaste comme l’un des chefs de file de la Nouvelle Vague du cinéma roumain, au début du XXIème siècle…

L’excellente collection “Deux films de…”, éditée par France Inter et Why not productions, rend hommage à ce réalisateur inspiré et talentueux en proposant de (re)découvrir la Palme d’Or 2007 et Contes de l’âge d’or, une anthologie de courts-métrages qu’il a produits, réalisés ou coréalisés, illustrant la vie sous le régime de Nicolae Ceaucescu avec humour féroce et poésie.

”4 mois, 3 semaines, 2 jours”

 
Dans 4 mois, 3 semaines, 2 jours, ce sont les deux jours qui sont importants. Deux jours pendant lesquels une jeune femme va aider sa meilleure amie à avorter. Clandestinement, forcément, car le film se déroule en 1987, sous le régime dictatorial de Ceaucescu, et l’acte y est totalement prohibé. On assiste d’abord aux heures qui précèdent cet avortement, puis au rendez-vous des deux jeunes femmes avec le “faiseur d’anges” dans une obscure chambre d’hôtel…

La trame narrative est minimaliste, d’autant que le réalisateur roumain ne s’embarrasse pas de longues présentations des personnages ou de leur bagage psychologique. Il s’abstient aussi de tout jugement moral – n’en déplaise à ceux qui ont vu dans le film une propagande anti-avortement –
Tout repose uniquement – ou presque – sur le cheminement des personnages et le cauchemar qu’elles sont en train de vivre.

Le cinéaste colle au plus près des personnages principaux en suivant leurs déplacements à l’aide de plans-séquences élégants. Ainsi, il cherche à  forcer l’identification du spectateur aux deux héroïnes ou du moins à lui faire éprouver une certaine empathie à leur égard, pour accentue l’impact de son récit et la force du message véhiculé.
Il est bien aidé, il faut l’avouer, par les performances remarquables d’Anamaria Marinca et Laura Vasiliu.

A côté de cela, il emploie de longs plans fixes, étirés jusqu’au malaise, pour distiller un climat de tension et d’angoisse permanent, digne des meilleurs thrillers.
On ressent constamment la peur des deux jeunes femmes : peur de se faire dénoncer, ou arrêter, peur de l’acte d’avortement lui-même, et des risques qui en découlent, peur de l’avorteur lui-même, un homme inquiétant,…

Oui, il s’agit d’un film glacial, dont l’atmosphère est renforcée par des décors exigus, qui donnent un sentiment d’aliénation, notamment la chambre d’hôtel sordide où doit se dérouler l’avortement, et une lumière très crue qui souligne plutôt qu’elle n’efface la noirceur environnante. 
Même les scènes plus anodines accentuent cette sensation de malaise, à l’image de cette scène de repas de famille parfaitement étouffante et stressante.

Derrière cette trame narrative “simple”, le film pose aborde subtilement le thème de la liberté, des problèmes qu’elle pose, des sacrifices qu’elle exige, et porte également un regard sans concession sur un pan douloureux de l’histoire de la Roumanie. Car si le cinéaste n’insiste pas sur l’aspect “historique” de son récit, la période dans laquelle est ancrée le récit ne fait guère de doute. Il s’agit bien d’une charge féroce contre les années Ceaucescu… 

A l’instar de cette période sombre de l’histoire roumaine, 4 mois, 3 semaines, 2 jours n’a rien d’un spectacle agréable. Certaines scènes risquent même de heurter les âmes les plus sensibles.
C’est néanmoins un film nécessaire, à la fois formidable portrait de femmes, témoignage d’une époque troublée qui pèse encore sur la société roumaine et belle leçon de mise en scène. Non, vraiment, Cristian Mungiu n’a certainement pas volé sa palme d’or lors du soixantième festival de Cannes…

”Contes de l’âge d’or”

Contes de l’âge d’or est une anthologie de court-métrages signés par un collectif de jeunes auteurs roumains, qui enfants ou adolescents, ont connu les dernières années du règne du dictateur Nicolae Ceaucescu.
Pour ces cinéastes, l’« âge d’or », c’est le temps de l’innocence, la période de leur enfance, celle qu’ils ont traversée comme dans un rêve… C’est aussi une période de grand marasme, de crise profonde, que la propagande communiste de l’époque tenta de dissimuler sous cette appellation ronflante, essayant de valoriser l’image d’une nation forte et unie…

A l’écran, ce paradoxe se traduit par un ton léger et plein d’humour, qui dénonce l’autoritarisme d’un régime archaïque en le raillant de bout en bout. La réalité très dure, très froide de ces années de plomb roumaines est délicatement balayée par le petit vent de fantaisie soufflé par les auteurs de cette œuvre à plusieurs mains : Ioana Uricaru, Hanno Höfer, Räzvan Märculescu, Constantin Popescu et, bien sûr, Cristian Mungiu, producteur et principal artisan du projet.
Après le très noir  4 mois, 3 semaines 2 jours,  le cinéaste revient à plus de légèreté et à ce style doux-amer qui faisait le charme d’Occident, son premier long-métrage.

Le film se compose de deux parties compilant plusieurs histoires, des légendes urbaines issues de cette longue période de dictature, illustrant chacune les travers de la société roumaine de l’époque.

La première partie est composée de 4 sketches.
Le sketch introductif montre une population soumise aux désidératas des exécutifs, des hauts dignitaires du Parti Communiste. Les habitants d’un petit village sont obligés d’arrêter leurs occupations habituelles pour obéir à des ordres souvent absurdes, comme dénicher des colombes qui seront lâchées lors du passage d’un convoi officiel, ou un troupeau de moutons qui illustrerait la santé de l’agriculture du pays…
On voit des pauvres gens travailler dur, se décarcasser pour satisfaire aux caprices des élites. Ils se vengeront un peu en appréciant le spectacle délectable des notables et des représentants du parti coincés sur un manège impossible à stopper…

La seconde parle du problème de l’analphabétisme de la population en zone rurale. Un problème capital pour le pouvoir, qui voit d’un mauvaise œil cette réputation désastreuse. Mais un problème tout à fait secondaire pour des paysans qui n’ont pas l’eau courante et n’ont l’électricité que par intermittence. Un professeur citadin en fera la cruelle expérience…

Le troisième sketch traite de l’absence de marchandises dans les magasins. Image saisissante que ces étals vides devant lesquels s’ennuient bouchers et poissonniers… Dans ces conditions, les gens seraient prêts à tout pour un morceau de viande, et la situation induit fatalement marché noir et corruption. Un policier devait recevoir de la viande pour Noël. A la place, il reçoit un cochon… vivant ! Comment tuer le porc sans attirer l’attention des voisins affamés ? Une situation explosive, qui ne fait donc pas bon ménage avec l’idée d’asphyxier la bête au gaz de ville…

Dans le quatrième, on découvre un groupe de journalistes en effervescence au moment où Ceaucescu accueille le président français, en visite officielle. Hors de question de laisser ce « Vespar J’espaing » – un des journalistes le désigne ainsi – ce suppôt du capitalisme occidental voler la vedette au camarade leader de la nation. Et là, horreur, malheur ! Giscard porte un chapeau, et pas Ceaucescu… Les photographes doivent se dépêcher de retoucher la photo et retoquer le chef d’un couvre-chef, pour que le journal puisse être imprimé dans la foulée et livré dans les usines au petit matin, comme de coutume… Mais à confondre vitesse et précipitation, on commet des erreurs…

La première partie des Contes de l’âge d’or s’ouvre sur des travailleurs vivant dans la peur du jugement des officiels du parti et se clôt sur un ouvrier piquant un fou rire à la lecture du journal susnommé. Une sorte de petite revanche de l’opprimé sur l’oppresseur. Et un bon résumé de l’esprit du film, qui entend bien se moquer d’un passé douloureux, dont la société roumaine porte encore les stigmates. La démonstration est des plus efficaces, à la fois effrayante et drôle : L’ensemble des quatre sketches montre un système politique en pleine déliquescence, tellement rigide et liberticide qu’il mène à des situations grotesques, ubuesques. Et qui tente donc par tous les moyens de sauver les apparences, par des mensonges, des omissions, des bidouillages de la véracité des faits…

La seconde partie est dans la même lignée, charge corrosive pleine d’humour noir contre un système politique corrompu, mais elle est encore plus amère
Le premier film est signé par Mungiu lui-même. On y voit une paysanne obligée de sacrifier son dindon – auquel elle est pourtant très attachée, vu qu’elle le croit supérieurement intelligent – pour graisser la patte d’un chirurgien de Bucarest et tenter de sauver sa mère malade.
Le second raconte les malheurs d’un chauffeur routier bloqué dans un restaurant de campagne, qui, pour arrondir ses fins de mois, décide de vendre les œufs des poules qu’il devait convoyer.
Et dans le troisième film, deux jeunes gens se font passer pour des scientifiques analysant la qualité de l’air dans les appartements, afin de glaner des bouteilles vides consignées qui, une fois redonnées, leur rapporteront quelques piécettes…
L’argent et la corruption sont au coeur de cette seconde partie, qui parachève en beauté la critique d’un système politique totalitaire et ses conséquences tragiques, tant sur le plan économique qu’humain.

Même si les sketchs sont de rythme inégal – l’éternel défaut de ce type de film collectif – on suit avec intérêt cette œuvre pleine de finesse et portée par quelques-uns des meilleurs acteurs roumains.
Une réussite de plus à mettre à l’actif de Cristian Mungiu…
… Et une raison de plus d’investir sur ce pack de 2 DVD, honorant un des meilleurs cinéastes roumains du moment…

______________________________________________________________________________

Coffret “2 FILMS DE CRISTIAN MUNGIU”

4 mois, 3 semaines, 2 jours 4 luni, 3 saptamini si 2 zile Réalisateur : Cristian Mungiu Avec : Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov Origine : Roumanie Genre : palme d’or  Durée : 1h48 Note : ●●●●●●

Contes de l’âge d’or Amintiri din Epoca de Aur Réalisateur : Cristian Mungiu, Ioana Uricaru, Hano Höfer, Razvan Marculescu, Constantin Popescu Avec : Diana Cavaliotti, Radu Iacoban, Vlad Ivanov Origine : Roumanie Genre : film à sketches Durée : 2h38 Note : ●●●●●○

_______________________________________________________________________________

BONUS

-
Note globale des bonus : ○○○○○○

________________________________________________________________________________

On les appelle les “enfants de la lune”…
Un terme bien poétique pour désigner les malades atteints d’une pathologie génétique rare, la xeroderma pigmentosum (XP), qui se traduit par une hypersensibilité aux rayons UV. La moindre exposition au soleil ou même à certains éclairages puissants, comme les néons, multiplie les risques de développer des problèmes oculaires (kératites, cataracte,…) et cutanés, au premier rang desquels des cancers de la peau.
Comme pour bien des maladies orphelines, il n’existe pour l’heure aucun traitement à cette pathologie génétique. La seule action possible est préventive, en limitant au maximum le contact des patients avec les rayons UV, notamment grâce à des combinaisons spéciales créées par la NASA, mais l’espérance de vie des malades est souvent très courte, hélas (1).

Cette terrible maladie a inspiré à Delphine Gleize la trame de son nouveau long-métrage, La Permission de minuit, bouleversante histoire d’amitié entre Romain, un adolescent de treize ans, et David, le dermatologue qui le soigne et l’opère depuis son plus jeune âge.
Pour le jeune garçon, cet homme est bien plus qu’un médecin. C’est un copain, un éducateur, un père de substitution, même, puisque le sien a fui, incapable de supporter sa maladie. Et, à un âge où on s’éveille naturellement au désir et aux choses de l’amour, Romain a plus que jamais besoin de cette présence rassurante et de ses conseils.
Mais David est lui aussi à un tournant de sa vie. Cela fait des années qu’il se consacre à ses jeunes patients, jour et nuit, sans relâche et sans repos, au péril de sa propre santé et de sa vie de couple. Même s’il est toujours animé par la même flamme, la même combativité pour aider ses patients à mieux vivre leur maladie, il est un peu à bout de souffle. Aussi, quand son administration lui accorde la mutation au siège de l’OMS (2) qu’il avait demandée des années auparavant, la raison le pousse à accepter…
Cette décision est vécue avec angoisse et tristesse par les deux personnages, et un brin de colère pour Romain, en pleine crise adolescente…
Le cheminement vers l’acceptation de cette séparation annoncée – qui est aussi, indirectement, une acceptation de l’idée de la mort – sera long et difficile…

Avec une telle histoire, le film avait tout du projet risqué.
D’une part car ses thèmes – relation affective quasi filiale, malaise adolescent, acceptation de la maladie et de la mort – n’ont rien d’inédit et ont déjà fait l’objet d’oeuvres cinématographiques de premier plan. D’autre part car le sujet au coeur du film, cette maladie incurable, l’XP, menaçait de faire tomber le film dans le pathos et le mélodrame facile.

Mais voilà, Delphine Gleize est une cinéaste subtile et intelligente. Elle a abordé son scénario, ses personnages, avec la même humilité, la même pudeur, que celles dont elle avait fait preuve à l’égard de Marc Bertran de Balanda et de ses proches dans Cavaliers seuls, le très beau documentaire qu’elle avait consacré aux derniers mois de la vie de ce grand maître d’équitation.
Elle s’emploie à décrire le personnage de Romain comme un adolescent ordinaire, à la fois attachant dans son apprentissage de la vie et agaçant de par son côté rebelle, aussi bien à l’égard des adultes que de ses propres camarades. Un ado ordinaire, mais dont le quotidien est bien évidemment perturbé par les contraintes liées à la maladie : l’obligation de se déplacer en permanence avec cette combinaison qui lui donne l’allure d’un cosmonaute, de rester cloîtré chez lui, derrière ses vitrages spéciaux anti-UV ou bien de ne sortir que la nuit, en prenant quand même garde à la lueur des néons. Une organisation qui rend compliquées ses relations avec les autres jeunes de son âge, hormis ceux atteints de la même pathologie que lui…
Pour le personnage, l’enjeu est évidemment d’accéder à cette “normalité”, ou du moins de s’en rapprocher le plus possible, car il connaît la fragilité de son état et la précarité de son existence. Avant de disparaître, il veut pouvoir mener une vie de jeune garçon on ne peut plus classique, jouer au rugby, se promener dans les rues de jour sous un beau soleil sans être considéré comme un extra-terrestre et surtout, rencontrer une fille de son âge et trouver l’amour…

On est loin, bien loin, des travers typiques de tous ces films traitant de maladies incurables qui insistent lourdement sur tous les aspects les plus sordides de la maladie pour soutirer sans vergogne les larmes du spectateur. Le but de la cinéaste n’est pas d’utiliser son sujet pour émouvoir à tout prix le public, mais de changer le regard que l’on peut avoir sur ces personnes “différentes” et pourtant si proches de nous, et d’attirer l’attention sur cette maladie génétique méconnue, très lourde à vivre au quotidien pour les patients comme pour leurs familles.
A aucun moment Delphine Gleize n’insiste sur les manifestations physiques de la pathologie – à peine évoquées par le purpura sur le cou de Romain et la vision furtive de photos de cas extrêmes de cancers de la peau, sur un site internet visité par l’adolescent. Ce qui ne veut pas dire qu’elle élude le côté tragique de la maladie. Simplement, elle reste toujours à bonne distance, de façon très pudique, à l’image de cette scène poignante où Romain se rend au chevet d’une de ses camarades en phase terminale, ne nous montrant qu’une porte à demi-close et laissant juste percer les propos de l’adolescent, en voix-off. Et, comme dans Cavaliers seuls, elle oppose joie de vivre et force morale à la maladie, la souffrance physique, le handicap et la mort.
La Permission de minuit est un film plein de vie et d’espoir, qui ne cède jamais à la lourdeur solennelle que le sujet pourrait induire.

Même la partie concernant la relation entre le médecin et l’adolescent est joliment traitée.
Déjà parce que la cinéaste a trouvé les interprètes adéquats pour incarner ces deux personnages forts que sont le jeune homme et son médecin : Vincent Lindon et Quentin Challal.
Le premier évolue dans le registre dans lequel il excelle depuis quelques années, celui du quinquagénaire usé par la vie, fort et fragile à la fois – comme dans Welcome ou Mademoiselle Chambon – et est donc, sans surprise, une nouvelle fois très bon dans ce rôle.
Le second est une révélation, parfait en adolescent nonchalant et un brin sauvage. Il possède une maturité et une intensité de jeu assez surprenante pour son âge, surtout pour une première apparition à l’écran.
Ceci permet à la réalisatrice de jouer sur les contrastes entre les deux personnages, d’inverser les rôles par moments, le médecin se comportant parfois comme un grand adolescent et le jeune garçon faisant montre à plusieurs reprises d’une sagesse très adulte. Romain est lucide quant à son avenir. Il serait prêt à se sacrifier pour préserver celle qu’il aime, l’empêcher de s’attacher à lui et de souffrir plus tard. David, lui, semble fuir son domicile et les regards désapprobateurs de sa femme (jouée par Nathalie Boutefeu). Il se comporte comme un grand gamin vexé face à sa remplaçante (Emmanuelle Devos, convaincante comme à son habitude)
Du coup, les personnages gagnent en épaisseur et n’en sont que plus touchants. La complicité des acteurs fait le reste, d’autant que le reste de la distribution est à l’avenant : Caroline Proust est très bien dans le rôle de la mère de Romain, toute en douceur et en fragilité. Laurent Capelluto commence à bien connaître les rôles d’entraîneurs sportifs au grand coeur… Et les jeunes acteurs jouent tous avec beaucoup de justesse…

Mais le film est également réussi de par sa mise en scène, sobre en apparence, mais très soignée et inventive, traversée notamment de ces belles envolées poétiques dont Delphine Gleize a le secret depuis ses courts-métrages multi-primés et son remarquable premier long-métrage, Carnages.
Citons quelques effets de transition réussis, par association d’images ou d’idées, et une belle scène où une sortie des “enfants de la lune” prend effectivement l’allure de promenade lunaire, en raison des combinaisons portées, de l’aspect rocailleux du décor et de la belle mise en lumière de Crystel Fournier, chef-op attitrée de la cinéaste.

On retrouve aussi le goût de la cinéaste pour les symboles.
Ici, le rugby sert à illustrer la force du collectif, de l’entraide et de la solidarité, ainsi que la combativité puisque, comme l’explique David à Romain, même les perdants sont magnifiques. On finira tous par perdre ce match qui nous oppose à la mort, mais il faut quand même se battre jusqu’au bout, avec panache, en savourant chaque moment passé sur la pelouse de la vie… Tel est la morale véhiculée par le film.
Il y a aussi ce concours de chute de dominos qui ouvre le film (et se solde par un échec pour David). Il peut être évocateur d’une chaîne brisée (l’ADN des malades atteints de XP), d’une vie brisée, de la réticence de David à lâcher prise et à transmettre le relais à sa remplaçante ou encore, l’arrêt brutal de la relation entre David et Romain…
Oui, on constate avec bonheur que Delphine Gleize n’a rien perdu de son imagination et de son art de la construction cinématographique – aussi délicat que cet assemblage de dominos, d’ailleurs…

Avec La Permission de minuit – beau titre pour un beau film, pudique et émouvant – Delphine Gleize continue son petit bonhomme de chemin dans le paysage cinématographique français, à son rythme tranquille. Elle impose un style très personnel, tout en finesse et en poésie, et continue d’explorer ses thèmes de prédilection sur l’altérité, les relations humaines, la transmission du savoir entre les générations.
Pour qualifier son quatrième long-métrage, on veut bien s’autoriser, comme elle, à invoquer un titre du grand Léo Ferré :
“C’est extra”

Aussi, si vous avez raté ce film lors de son exploitation en salle, vous avez droit à une seconde chance grâce à la sortie du DVD, agrémenté de sympathiques bonus.
”C’est extra… C’est extra…” (ad lib) 

(1) : Dans la plupart des cas, les cancers de la peau surviennent avant l’âge de dix ans. 60% des patients décèdent avant leurs 20 ans. Dans les formes les plus légères de la maladie, l’espérance de vie peut monter jusqu’à 40 ans, mais ces cas sont rarissimes.
(2) : OMS : Organisation Mondiale de la Santé, dont le siège est à Genève

Et pour en savoir plus sur cette maladie qu’est le XP ou pour soutenir les familles, vous pouvez aussi faire un tour sur le site de l’Association Les Enfants de la Lune

______________________________________________________________________________

La Permission de minuit La Permission de minuit Réalisatrice : Delphine Gleize Avec : Vincent Lindon, Quentin Challal, Emmanuelle Devos, Caroline Proust, Nahalie Boutefeu, Laurent Cappeluto Origine : France Genre : plein de vie Durée : 1h50 Note : ●●●●●○

_______________________________________________________________________________

BONUS

Ils sont assez copieux et intéressants : 

- Commentaire audio 
- Making of ‘(23 mn)
- 5 scènes coupées
- galerie photo
- 3 titres de la BO
- Le court-métrage “Les Méduses” (17 mn)
Note globale des bonus : ●●●●●○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

Sur le papier, le sujet de We are four lions n’a rien de drôle : quatre individus venant du nord de l’Angleterre, musulmans et islamistes convaincus, projettent de porter le Jihad sur le sol de la perfide Albion, en commettant des attentats-suicides à coups de bombes artisanales. On ne s’imagine pas un instant se bidonner devant des fanatiques religieux prêts à tout – y compris le massacre de centaines d’innocents – pour gagner le Paradis et mériter le repos du guerrier d’Allah…

Pourtant, à l’écran, c’est irrésistible de drôlerie et de finesse…
Car les quatre apprentis kamikazes sont de véritables pieds-nickelés tous plus stupides ou maladroits les uns que les autres. Ils commettent bourde sur bourde et enchaînent les galère avec la même régularité que le gang de cambrioleurs du Pigeon de Mario Monicelli…

Il faut les voir tourner leurs vidéos revendicatives, un carton sur la tête et un fusil en plastique taille enfant à la main.
Ou bien les voir tenter d’échapper à l’identification des caméras de surveillance en secouant la tête dans tous les sens – plus fort que la méthode Coué, la méthode secouée !
Ou encore se déguiser en personnages de dessins-animés pour commettre leurs attentats sans attirer l’attention… C’est sûr qu’un type déguisé en tortue ninja, ça ne se remarque pas dans une foule…
Non, vraiment, Omar, Waj, Barry et Fessal sont des branquignols de première catégorie et leur cheminement n’est pas sans évoquer celui des stripteaseurs amateurs de The Full Monty, autre belle réussite de la comédie sociale à l’anglaise.
Ils se forment par étapes, cumulant les gaffes au point de ne même plus être soutenus par les leaders d’Al Quaïda…

Pour son premier long-métrage de fiction, l’humoriste Chris Morris frappe fort et juste.
Il réussit le miracle de nous rendre sympathiques ces quatre zozos – et même cinq en tout, après l’embrigadement d’un autre apprenti djihadiste tout aussi neuneu que les autres – pourtant animés des plus mauvaises intentions, et de nous faire rire avec des sujets hautement sensibles – les tensions entre Islam et Occident, la xénophobie, le terrorisme… Et ce, sans jamais chercher la polémique ou la provocation gratuite. Bien au contraire !

Oh, bien sûr, les djihadistes s’y font ridiculiser, et il n’est pas certain que les islamistes les plus radicaux apprécient beaucoup cette façon de les caricaturer – ils ont prouvé, hélas, que l’humour n’est pas leur fort, et qu’ils ne maîtrisent pas franchement le second degré.
Et il se trouvera toujours un ou deux esprits chagrins pour s’offusquer que l’on donne la vedette à des terroristes, même si on peut difficilement voir dans le film une apologie du suicide-kamikaze…
Oui, c’est sûr, Chris Morris ne va pas se faire que des copains… Mais ce n’est pas plus mal, car qui voudrait être ami avec des imbéciles ?

Il faut bien comprendre que We are Four lions n’est pas du tout manichéen. Il ne cherche pas à valoriser un camp plutôt qu’un autre. Le cinéaste ridiculise tout le monde : les apprentis terroristes, les vrais djihadistes, les voisins qui ne remarquent rien, les flics toujours prêts à faire une bavure, les autorités paranoïaques…
Tout le monde en prend pour son grade, pas de jaloux !
Oui, Chris Morris n’épargne personne, mais dans le même temps, il respecte tout le monde, tous ses personnages…
S’il joue avec les clichés autour de l’islamiste-type, c’est pour mieux les passer à la moulinette et tordre le cou aux idées reçues. Tous les arabes ne sont pas musulmans, tous les musulmans ne sont pas islamistes, et encore moins terroristes, tous les terroristes ne sont pas forcément unis les uns aux autres…

Les personnages ne sont pas vraiment des “fous de Dieu”. Ils ont l’air plus ouverts d’esprits, plus aptes à s’intégrer que certains fanatiques respectant à la lettre des coutumes parfois rétrogrades. Et pourtant, ce sont eux qui passent à l’acte, lassés de l’assimilation imbécile des musulmans aux fanatiques islamistes, du regard hostile que porte sur leur communauté le reste de la société britannique, du racisme qui leur barre l’accès à des postes plus importants dans le monde du travail…
Ce sont juste de pauvres types en quête de reconnaissance, qui se laissent séduire par des discours extrémistes, de la même façon que d’autres se sont laissés convaincre par des discours xénophobes anti-Islam… On notera d’ailleurs que le plus virulent des terroristes en herbe est le seul “blanc” du groupe, et que c’est celui qui est le plus avide de gloire médiatique… C’est le moyen qu’il a trouvé pour se mettre en avant, pour exister un peu dans une société très individualiste qui ne prête pas attention à lui…

Le cinéaste montre le côté dérisoire, absurde, de leur quête. Les quatre hommes se rêvaient martyrs, ils finiront victimes emblématiques d’une société reposant sur la peur de l’autre, la paranoïa et le repli communautaire, où plus personne ne prend le temps d’apprendre à connaître ses voisins, d’accepter les différences et de s’enrichir du brassage culturel.
Pourtant, on est tous dans le même bateau, on a à peu près tous les mêmes rêves et les mêmes problèmes. Pourquoi ne pas essayer de vivre ensemble, en respectant les valeurs universelles que sont la liberté, l’égalité et la fraternité ?

Pour le cinéaste, il faudrait faire tomber les barrières invisibles qui séparent les hommes, s’affranchir des préjugés raciaux ou socio-culturels, tendre vers plus d’égalité de façon à éliminer les frustrations, les jalousies, les rancoeurs…
Justement, en offrant les rôles principaux à des acteurs inconnus, issus de ce que l’on nomme les “minorités visibles”, Chris Morris fait un acte en faveur de l’intégration, de l’harmonie des cultures et des religions…
Il oeuvre pour la paix et c’est là tout l’enjeu du film…

Le spectateur amusé puis ému par le parcours tragi-comique de ces “quatre lions” islamistes, ne peut que sortir de ce film avec de nouveaux axes de réflexion quant à l’évolution des relations entre les pays occidentaux et le monde arabe, entre le culte musulman et les autres religions, surtout depuis les attentats du 11 septembre 2001. Il se voit contraint de remettre en question sa propre attitude, sa potentielle xénophobie, sa peur de l’étranger, de ce qui est différent…

Voilà un film souvent hilarant, parfois poignant, qui divertit tout en ouvrant les coeurs et les esprits.
We are four lions est une franche réussite, une de plus pour nos amis d’Outre-Manche…
On peut rire de tout, y compris des intégristes, du terrorisme, des camps d’entraînement d’Al-Quaïda, des méthodes musclées de la police anglaise et de la CIA… Certes pas avec n’importe qui. Mais assurément avec Chris Morris, humoriste subtil et jeune cinéaste inspiré…

Alors, si vous n’avez pas encore découvert ce petit bijou d’humour british, cette sortie DVD vous donne l’occasion de rattraper ce retard. Vous auriez tort de vous priver, car la galette proposée contient bon nombre de bonus appréciables, dont un bon paquet de scènes coupées…
Et puis, là, au moins, vous apprendrez la vérité sur la mort d’Oussama Ben Laden…  

______________________________________________________________________________

We are four lions Four lions Réalisateur : Chris Morris Avec : Riz Ahmed, Arsher Ali, Nigel Lindsay, Kayvan Novak, Adeel Akhtar, Chris Wilson Origine : Royaume-Uni Genre : d’la bombe… Durée : 1h41 Note : ●●●●●○

_______________________________________________________________________________

BONUS 

Le DVD est enrichi d’un copieux programme de suppléments.  

- Autour du film : Des garçons paumés (9mn)
Dans ce documentaire, des jeunes pakistanais racontent leurs conditions de vie en Angleterre, le racisme ordinaire.
Une façon d’expliquer pourquoi les jeunes musulmans se radicalisent et peuvent se laisser séduire par le djihad.

- Entretien avec Mohammed Ali Ahmad (13 mn)
L’homme est suspecté de terrorisme. En attente de son procès, il explique son parcours.

- Coulisses du tournage (12 mn)

- Scènes coupées (18 mn)

- Entretien avec le réalisateur au festival de Bradford (4 mn)

Note globale des bonus : ●●●●●○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

C’est inévitable, tous les films hollywoodiens à succès se prêtent un jour à l’hommage parodique.
Mais dans le cas de Twillight, film déjà risible en lui-même, était-ce bien nécessaire ? Ou du moins, était-ce bien raisonnable sous la forme que prend  Mords-moi sans hésitation, comédie ennuyeuse aux gags poussifs et lourdingues?  
Et surtout, était-ce utile de nous le resservir en DVD sous le nom de Vampires suck ? Certes, il s’agit du titre original, mais ça sent quand même un peu le tour de passe-passe destiné à faire oublier toutes les critiques négatives reçues par ce petit nanar sous son titre d’exploitation français idiot… Donc, si vous l’avez déjà vu et que vous n’êtes pas maso, ne vous laissez pas abuser et passez votre chemin…   

Bon, la critique va être mauvaise, vous vous en doutez…
Le principal problème est que le long-métrage de Jason Friedberg et Aaron Seltzer ne cherche pas à parodier les films de vampires ou les films d’épouvante en général, juste à se moquer de Twillight. Les scénaristes ont pris le parti de coller fidèlement aux trames du film de Catherine Hardwicke et du second épisode de la saga qui étaient déjà singulièrement mollassonnes. Du coup, on est obligés de se retaper une nouvelle fois l’arrivée de Bella (Becca, ici)dans une petite ville forestière des Etats-Unis peuplée de vampires boules à facettes et de loups garous aux torses tout musclés. L’avantage, c’est de nous rappeler à quel point les deux premiers volets de la saga étaient soporifiques. L’inconvénient, c’est que c’est soporifique, justement… Le film ne dure que 1h19 dans sa version cinéma, 1h21 dans la version longue proposée sur le DVD (wtf ?!?), et pourtant on a l’impression que ça dure des heures.  

On s’ennuie ferme et ce ne sont pas les gags parodiques pondus par l’équipe des déjà exécrables Spartatouille (rien que le concept 300 + Ratatouille, ça laisse pantois..), Big Movie et Sexy Movie, qui viennent nous sortir de notre torpeur. C’est téléphoné, c’est lourd, c’est con, ce n’est pas drôle, hormis un ou deux trucs qui nous arrachent péniblement un sourire…

Cela dit, peut-être que certains apprécieront. Après tout, on n’a pas tous le même humour…
Il n’en demeure pas moins que cinématographiquement, c’est très mauvais, et le niveau très moyen du film parodié (oui, on va se faire lyncher par les fans de Twillight, mais on assume!) n’explique pas tout. C’est très basique, très plat, très fade et très mal rythmé, ce qui, pour une comédie, est plutôt gênant…

 
Quant aux acteurs, on peut difficilement les trouver bons, vu les rôles ultra-chargés qu’ils doivent se coltiner, mais ils ont néanmoins bien du mérite de garder un semblant de dignité dans cet océan de médiocrité. Cela dit, certains y vont fort dans le cabotinage, surtout les “loups-garous” transformés en bons toutous à leur mémères… 

Bref, à moins d’être très client de ce genre de comédie parodique-potache et de ses auteurs – ce n’est pas notre cas, on l’avoue – vous pouvez aisément économiser le prix de ce DVD ou de ce Blu-ray et le garder pour acheter un film plus sympathique. Chez le même éditeur, 20th Century Fox, il y a par exemple une ressortie de l’Apocalypse now de Francis Ford Coppola en version intégrale restaurée qui a l’air fort appréciable…  Enfin, vous faites comme vous voulez, hein…
”Ca va finir au pieu”, prophétise l’affiche du film…
“Ca va finir à la poubelle”, rétorquons nous…

______________________________________________________________________________

Vampires suck Vampires suck  Réalisateurs :  Jason Friedberg, Aaron Seltzer Avec : Jenn Proske, Matt Lanter, Ken Jeong, Mike Mayhall, Anneliese Van der Pol   Origine : Etats-Unis Genre : Où sont les toilaïttes ? Durée : 1h19 Note : ●○○○○○

_______________________________________________________________________________

BONUS

Blu-ray comme DVD sont enrichis du même programme de suppléments :

- version cinéma et version longue (2mn de plus…) : foutage de gueule complet…
- Scènes coupées (13 mn) : en fait les versions étendues de certaines scènes, sinon ça ferait une version longue vraiment plus longue…
- bêtisier (4 mn)

Le coffret Blu-Ray contient aussi le DVD, peut-être pour ceux qui veulent comparer les deux…
 
Note globale des bonus :  ●●●○○○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

Vous êtes de sexe masculin ? Vous aimez les belles voitures de sport et les femmes aux corps de rêve – bref, les beaux châssis ? Alors Redline pourra peut-être vous plaire…
Peut-être, hein… Parce que franchement, il ne faut vraiment pas être regardant sur le scénario, la mise en scène et le jeu d’acteurs pour apprécier ce film de série B médiocre, qui sort directement en DVD, via France Télévisions Distribution.

L’histoire est assez basique : un quatuor de millionnaires trompe l’ennui en organisant des courses de voitures clandestines. Chacun possède ses propres bolides – Porsche, Ferrari, Lamborghini,Rolls Royce Phantom, etc… – et ses propres pilotes. Et ils se défient les uns les autres, pariant des sommes de plus en plus délirantes au fil du temps.
Parmi eux, il y a un producteur de cinéma, un homme d’affaires asiatique, un gangster bedonnant et un rappeur black, propriétaire d’un label plus que rentable.
Ce dernier confie sa Porsche aux bons soins de Natasha qui, quand elle ne pousse pas la chansonnette avec son groupe – ses garagistes de frangins -  est une experte de la mécanique. Du genre capable de transformer une Lada en Formule 1. Et comme la jeune femme est pleine de ressources, elle s’avère aussi une conductrice hors pair et une femme dotée d’une belle paire de s.. euh d’yeux…

Evidemment, les millionnaires lorgnent sur elle,  soit pour ses qualités de pilote, soit pour sa carrosserie de rêve. Mais elle refuse de céder à leurs avances. Elle n’est pas une fille facile et ne se sent pas prête à participer à des courses, à cause d’un vieux trauma enfantin – son papounet chéri est mort pendant une compétition…
Pourtant, elle finit par accepter de prendre le volant et de participer à un défi. Mauvaise idée… Elle est victime d’un accident et perd la course. En même temps que sa liberté… A son réveil, elle apprend qu’elle a été l’enjeu du pari et qu’elle “appartient” désormais au gangster. Comment peut-elle s’en sortir?

Grâce au second héros du film, bien sûr… Lui, c’est un vrai héros. La preuve, il revient d’Irak, où il a servi la bannière étoilée. C’est pas un vrai de vrai, ça ?
Il a un regard de gros dur qui impressionne, si bien que quand on le voit pour la première fois, au début, on pense que c’est lui le bad guy (alors que le vrai méchant est un bon gros à la tête sympathique, allez comprendre…).  Et il maîtrise toutes les techniques de combat, du karaté au guili-guili. Lui aussi sait conduire une voiture, évidemment, et lui aussi a une belle paire de c… euh… d’yeux… Mais il ne chante pas. Le scénariste nous aura au moins épargné ça…

Bon, l’intrigue n’est qu’un prétexte à montrer des voitures coûteuses lâchées à pleine puissance et des minettes en tenue légère, dans l’esprit des films d’exploitation des années 1970. Les auteurs se sont d’ailleurs sans doute imprégnés d’oeuvres comme La Course à la mort de l’an 2000 de Roger Corman. Mais force est de constater qu’il y a une nette différence de classe entre les deux films. La réalisation de Redline  manque cruellement d’inspiration et de talent. Même les scènes de course, censée être le clou du spectacle, sont platement menées. 
Andy Cheng était peut-être un bon cascadeur, mais la mise en scène n’est pas vraiment son truc.  On lui déconseille de persévérer dans cette voie…

Restent les acteurs, qui font ce qu’ils peuvent avec leur moyens – très limités – pour faire exister des personnages des plus stéréotypés et grossièrement détaillés.
La belle Nadia Björlin n’est pas spécialement douée pour la comédie, mais bon, on lui demande juste de porter décolletés et tenues moulantes pour être agréable à regarder. Donc, elle remplit pleinement sa part du contrat. 
Nathan Phillips joue les héros monolithiques avec une mono expression sourcilière digne des meilleures performances de Steven Seagal. Sans doute est-il encore traumatisé par son séjour dans le bush australien de Wolf creek…  

Les autres rivalisent de médiocrité dans leurs rôles de millionnaires blasés. Mention spéciale à Angus Macfadyen en “bad guy” risible et à Eddie Griffin qui incarne une caricature de cliché de stéréotype de rappeur avec une propension au cabotinage qui laisse pantois.Le nom de son personnage est similaire à sa prestation : Infamous…
Pourquoi n’avoir pas offert le rôle plutôt à Wycleff Jean, le chanteur des Fugees qui se contente ici d’un caméo et de la BO du film – pas exceptionnelle non plus, d’ailleurs… – ? 

Bon, ne soyons pas vaches, Redline n’a pas été conçu pour être un chef d’oeuvre du septième art. C’est juste un petit film d’exploitation sans prétention, un délire entre potes prétexte à faire prendre l’air à des bagnoles de collection. Mais on se demande juste s’il était bien nécessaire de le proposer à la vente en DVD…
        

______________________________________________________________________________

Redline Redline Réalisateur : Andy Cheng  Avec : Nadia Björlin, Nathan Phillips,  Angus Macfayden, Eddie Griffin   Origine : Etats-Unis Genre : Fast & infamous  Durée : 1h35 Note : ●●○○○○

_______________________________________________________________________________

BONUS

Blu-ray comme DVD sont enrichis du même programme de suppléments :

- Making-of (17mn)
- bande-annonce
Note globale des bonus :  ●●●○○○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

[Critique initialement publiée sur Cinétrafic - http://www.cinetrafic.fr/]

Il est des films si amples,si intenses, si riches, si parfaitement joués et réalisés, si imposants que l’on ne peut que se sentir minuscules face à eux.
Opening night est de ceux-là.
Il s’agit rien moins que du chef d’oeuvre, avec Une femme sous influence, d’une filmographie déjà impressionnante (Shadows, Faces, Lover streams, entre autres).
Le film majeur  d’un cinéaste majeur de l’histoire du septième art : John Cassavetes.

 
L’oeuvre s’articule autour d’oppositions thématiques, la vie réelle/la dramaturgie théâtrale, la vie/la mort, la jeunesse/la vieillesse.
On suit le personnage de Myrtle Gordon, une actrice renommée, star des planches de Broadway, en plein tourment existentiel au moment où de jouer une nouvelle pièce, sensiblement différente de celles qu’elle a jouées jusque-là. Elle doit incarner Virginia, une femme vieillissante qui doit composer avec un potentiel de séduction déclinant et l’idée de la mort qui se rapproche inexorablement. Le metteur en scène de la pièce ne l’a  pas choisie par hasard. Elle a l’âge du rôle. Cet âge charnière où, malgré son charisme et son charme, elle ne peut plus vraiment prétendre à des rôles de débutantes. Cet âge charnière où elle devient une “seconde femme” – le titre de la pièce. Elle est capable de transmettre au public les angoisses du personnage – peur de vieillir, de décliner physiquement, de ne plus être admirée… Oui, pour le metteur en scène et l’auteure de la pièce, elle est tout à fait le personnage. Mais pour Myrtle, il s’agit d’un rôle de composition. Elle pense être trop jeune pour incarner ce personnage et éprouve des difficultés pour rentrer dans la peau de cette femme vieillissante. Elle lutte contre son partenaire, contre son metteur en scène, pour faire évoluer le rôle, le faire correspondre à ce qu’elle est réellement.

En fait, Myrtle fuit cette pièce, ce rôle, qui agissent comme un miroir, la mettent face à elle-même, face la cruelle réalité de son vieillissement. Elle refuse d’accepter son âge et d’être cataloguée comme une actrice “sur le déclin”. Elle entame un combat perdu d’avance contre le temps qui passe…
Un événement va achever de la déstabiliser : la mort d’une jeune admiratrice anonyme, renversée par une voiture sous ses yeux, alors qu’elle venait lui demander un autographe. A partir de ce moment-là, le malaise de Myrtle s’accroît, provoquant des hallucinations où intervient la jeune femme décédée. Symboliquement, l’actrice est hantée au fantôme de sa jeunesse passée, confrontée à l’idée de la mort, étape ultime du vieillissement… Elle va devoir se débarrasser de ce fantôme et sortir de cette dépression pour pouvoir jouer le rôle et accepter enfin de devenir cette “seconde femme”…

Première force de ce film, sa construction gigogne, “pièce de théâtre dans le film”, où les acteurs et les personnages qu’ils incarnent peuvent se confondre. Le spectateur doit rester éveillé, vigilant, essayer constamment de déterminer si la scène jouée sous ses yeux fait partie de la pièce ou de la “vraie vie” de Myrtle Gordon.
Par exemple, Myrtle forme à la scène un couple avec son partenaire, Maurice, qui joue le rôle de Marty, le mari de Virginia. Mais tous deux ont réellement constitué un couple, quelques années auparavant. Sur les planches, les personnages vivent une relation houleuse, conflictuelle. La même que les deux acteurs ont jadis expérimentée. La même qui se noue en coulisses. Quand pleuvent les amabilités et les noms d’oiseaux, on se demande si c’est Marty qui les balance à Virginia ou Maurice à Myrtle…

Le dispositif est déjà intéressant, mais il prend encore une autre dimension quand on sait que c’est Gena Rowlands, l’épouse du cinéaste, qui interprète le double rôle Myrtle/Virginia et que John Cassavetes lui-même interprète son partenaire. Ainsi, on peut aussi se demander ce que le couple projette de sa propre vie, de sa propre expérience, dans le film et ses personnages. Les joutes verbales, les moments de complicité, sont très probablement inspirés de leur vraie vie de couple Les interrogations des personnages sur la vieillesse, la vie et la mort sont les leurs…
Ce qui densifie encore un peu les choses, c’est que les tourments de Myrtle sont autant inspirés par Gena Rowlands que par John Cassavetes. Quand le personnage cherche du réconfort dans  l’alcool et l’ivresse, on ne peut s’empêcher de penser au rapport du cinéaste à l’alcool – Cassavetes est décédé en 1982 d’une cirrhose du foie. Et ses interrogations sur la frontière entre la vie réelle et la création dramatique ont toujours été au coeur de sa démarche artistique – il tournait la plupart de ses films dans la maison familiale, avec ses proches et ses amis fidèles. 
Oui, Opening night est probablement le film qui ressemble le plus à ce qu’il était : un metteur en scène de théâtre et de cinéma, un acteur un rien cabot, un écorché vif qui créait pour mieux appréhender le monde qui l’entourait, sa propre existence, et un directeur d’acteurs fabuleux…

Tiens, parlons-en de ses acteurs, histoire de leur rendre l’hommage qu’ils méritent. Il y a Ben Gazzara, l’ami de toujours, excellent dans le rôle de Manny, le metteur en scène de la pièce, un type exigeant et d’un abord assez brut…  
Il y a Joan Blondell, parfaite en auteure un peu coincée, aussi rigide que le personnage de la pièce dans le film…
Il y a Laura Johnson, inoubliable fantôme de la jeunesse de Myrtle…    
Il y a des caméos des vieux potes de Cassavetes : Seymour Cassel, Peter Falk et Peter Bogdanovich…
Il y a les petits rôles attribués à la famille : Lady Rowlands, Katherine Cassavetes…

Et puis, bien sûr, la géniale, l’exceptionnelle, la somptueuse, l’inoubliable, la formidable, la merveilleuse, et autres superlatifs qui sont ici tout sauf galvaudés, performance de Gena Rowlands. Sans doute la plus belle de sa carrière, avec le rôle de Mabel dans Une femme sous influence. Oui, on a rarement vu une aussi remarquable symbiose entre une actrice et son metteur en scène que le duo Rowlands/Cassavetes dans ce film-là. Il la filme avec une tendresse infinie, l’illumine, la rend bouleversante, magnifique. De son côté, elle l’inspire, transcende sa mise en scène, lui rend son amour en jetant toutes ses forces dans la bataille et en atteignant une intensité de jeu des plus rares…
Si on ne devait utiliser qu’un argument pour vous convaincre de voir ce film, ce serait le jeu d’actrice de Gena Rowlands sublimé par la caméra de Cassavetes. Mémorable, vraiment…

Mais le film vaut évidemment encore plus que cela. Il est riche thématiquement, audacieux narrativement – sa structure a inspiré nombre de cinéastes contemporains – d’une grande portée émotionnelle, complexe et simple à la fois.  Il est difficile d’expliquer pourquoi cette oeuvre nous fait autant d’effet. Peut-être est-ce l’alchimie entre les acteurs, l’énergie brute qui semble habiter chaque image et porter le récit ? Ou la quasi-perfection de tous les plans, peaufinés par un Cassavetes au sommet de son art ? Ou la sensation d’assister à un film touché par la grâce divine ? 
Toujours est-il qu’Opening night est un véritable joyau.

Et dire que ce très beau film tourné en 1977 et primé à Berlin l’année suivante, via un ours d’argent pour l’immense Gena Rowlands, n’a pas pu être vu en France avant 1992. Cette année-là, Gérard Depardieu a usé de son influence pour réhabiliter l’oeuvre du cinéaste américain et voir exploités en salle certaines de ses oeuvres restées scandaleusement inédites, comme Faces et Opening night… 

Depuis, les cinéphiles ont eu l’occasion de le voir à la télévision, sur Canal + ou sur Arte, ou en DVD.
Le chef d’oeuvre de John Cassavetes avait en effet déjà été édité en DVD. Dans la collection “Les films de ma vie” (éd. Opening), puis dans le coffret regroupant cinq films de John Cassavetes, chez Ocean. 

Alors quel est l’intérêt de cette réédition, chez TF1 Vidéo ?
Hé bien déjà, le plaisir de bénéficier d’un master image restauré.
Ensuite, l’opportunité de découvrir les bonus appréciables qui accompagnent le film : une présentation par Patrick Brion et une analyse du long-métrage par le cinéaste Xavier Durringer.
Bon évidemment, il faut avouer que les bonus sont les mêmes – en moins fournis – que pour le coffret évoqué plus haut, ce qui est très dommage… Mais certains n’ont peut-être pas envie d’acheter un coffret complet pour découvrir juste un film. Cette édition est alors pour eux…

Si vous avez déjà une version du film, vous pouvez donc sûrement économiser votre argent.
Mais dans le cas contraire, il s’agit d’un achat tout à fait recommandable, à plus forte raison si vous n’avez jamais vu cette oeuvre majeure de l’histoire du septième art…

______________________________________________________________________________

Opening night Opening night Réalisateur : John Cassavetes Avec : Gena Rowlands, John Cassavetes, Ben Gazzara, Joan Blondell, Laura Johnson Origine : Etats-Unis Genre : chef d’oeuvre Durée : 2h18 Note : ●●●●●●

_______________________________________________________________________________

BONUS

Manquent les interviews du coffret…  Dommage…

- Présentation de Patrick Brion (5mn)
- Analyse de Xavier Durringer (6mn)
- Bande annonce (5mn)
- Biographies et filmographies

Note globale des bonus : ●●●●○○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

ARTICLES LIES

Films autour du théâtre
Fiche du film sur Cinétrafic

[Critique initialement publiée sur Cinétrafic - http://www.cinetrafic.fr/]

A quatorze ans, Karen (Annette Bening) avait mis au monde une petite fille. Incapable de supporter cette charge, elle avait été contrainte la confier à une famille adoptive. Elle a depuis totalement perdu sa trace. Trente-sept ans plus tard, elle porte toujours cet abandon comme une blessure. Aigrie, caractérielle, constamment en colère contre les autres, elle ne s’est jamais mariée et vit seule avec sa mère (Eileen Ryan). La vieille femme, mourante, se blâme chaque jour d’avoir poussé Karen à abandonner son enfant, ruinant ainsi sa vie…

 
Elizabeth (Naomi Watts), la fille de Karen habite dans la même ville, Los Angeles. Avocate brillante, elle a beaucoup changé de poste et voyagé un peu partout aux Etats-Unis, mais, comme le remarque son nouvel employeur (Samuel L. Jackson), elle est toujours revenue au bercail. Peut-être, sans doute même, poussée par le désir inconscient de retrouver un jour sa mère biologique… Elle possède des traits de caractères communs avec sa mère – déterminée, passionnée, d’un abord un peu brut – et vit seule, elle aussi, accumulant les amants de passage…

En parallèle de cette histoire d’une relation mère-fille contrariée, on suit le parcours du combattant d’un couple stérile (Kerry Washington et David Ramsey) qui cherche à adopter un nouveau-né. Un orphelinat les met en relation avec une jeune femme de vingt ans (Shareeka Epps) qui ne désire pas garder le bébé qu’elle porte et pourrait éventuellement le leur confier après l’accouchement…

Mother & child est un film choral sur la maternité et la relation mère-enfant, déclinée sous toutes ses formes à travers une dizaine de personnages et de petites histoires qui vont plus ou moins finir par converger : mère contrainte d’abandonner son enfant ou choisissant délibérément de s’en séparer, fille confrontée à la mort de sa mère ou mère confrontée à la perte de sa fille, liens du sang ou liens fabriqués, maternité biologique ou adoption, mère réelle ou de substitution,… Les situations se répondent et se correspondent tout au long du film…

De nos jours, qui dit film choral dit Alejandro Gonzalez Iñarritu. On n’est donc guère étonné d’apprendre que l’auteur des brillants Babel, 21 grammes ou Amours chiennes maîtres-étalon du genre, oeuvre ici en tant que producteur.
Et on regrette qu’il n’ait pas pris lui-même la caméra pour réaliser ce film…
Rodrigo Garcia, réalisateur du médiocre Les Passagers, ne possède pas son talent pour relier de façon fluide les différentes subdivisions du récit. Il se contente d’empiler mollement des séquences toutes construites sur le même modèle, manquant de l’inspiration et de l’audace qu’aurait apportées un vrai cinéaste : plans larges et alternés basiques, champs-contrechamps sans aucune originalité. 

Cela dit, il faut quand même reconnaître que Rodrigo Garcia a su relativement bien se sortir des pièges inhérents à ce genre de structure chorale.

Déjà, il respecte l’équilibre entre ses différentes histoires, apportant le même soin au traitement de chaque personnage. L’avocat joué par Samuel L. Jackson est certes un peu sacrifié par rapport aux autres mais il est vrai qu’il n’est qu’un personnage secondaire, et il a quand même droit, comme les autres, à des morceaux de scènes qui lui permettent de se mettre en valeur…

Ensuite, il se garde bien de verser dans l’émotion cheap, l’avalanche de pathos, le mélodrame tire-larmes. Même si la construction globale s’apparente à un mélo un peu trop complexe pour être honnête, le cinéaste joue la carte de la sobriété et d’une certaine pudeur. La façon dont il traite le décès de la mère de Kate, par exemple, est d’une retenue inhabituelle pour ce genre de production. Et tout est du même acabit, à une ou deux exceptions près. On lui en sait gré…

Enfin, il s’appuie intelligemment sur sa distribution, haut de gamme, pour rendre attachants les personnages et réussir, in fine, à susciter l’émotion, toujours sans verser dans le pathos ou la psychologie de bazar.
Et il fallait bien du talent pour nous rendre émouvants des personnages aussi antipathiques de prime abord.
Kate est une femme aigrie, colérique, odieuse avec son entourage – sa mère, sa femme de ménage, ses collègues… – mais c’est aussi une femme ultra-sensible, meurtrie, déchirée, privée d’une partie d’elle-même et rongée par la culpabilité. 
Belle idée que d’avoir confié ce rôle complexe à Annette Bening, qui fait ici – et avec Tout va bien, the kids are all right de Lisa Cholodenko – son retour au tout premier plan après quelques années plus difficiles, jouant l’une de ses plus belles partitions d’actrice de sa carrière. 

Le personnage d’Elizabeth n’est guère plus aimable : une garce qui n’hésite pas à séduire son patron ou son voisin, futur père de famille, une avocate offensive et redoutable, une femme qui ne veut s’attacher à rien et à personne… Mais elle aussi est bien plus sensible qu’elle ne paraît. Un événement inattendu, inconcevable, va la transformer, donner un nouveau sens à a vie… Naomi Watts s’en empare avec le talent et la grâce qu’on lui connaît. Elle est belle, lumineuse, intense et finalement, bouleversante…

Face à ces deux grandes actrices, la performance de Kerry Washington a l’air un peu plus fade, mais elle s’en sort également bien, négociant très honorablement une ou deux scènes difficiles à jouer, pour n’importe quelle comédienne…

Ce trio porte le film, mais les seconds rôles ont aussi l’occasion de se mettre en valeur : Eileen Ryan (la mère de Sean Penn) nous touche par ses regards perdus, tout comme la jeune Shareeka Epps.
Côté garçons, outre Jackson, stoïque comme un maître Jedi, on retrouve les excellents Jimmy Smits et David Morse. Tous sont également très bien dans leur rôle…

Le jury du dernier Festival du Film Américain de Deauville semble avoir adoré le long-métrage de Rodrigo Garcia puisqu’il lui a décerné son Grand Prix. Pour notre part, nous sommes un peu plus réservés. Le manque d’ambition de la réalisation, platement illustrative, nous a un peu gênés, mais Mother & child nous a finalement laissé une impression plutôt positive, grâce à ses beaux numéros d’acteurs et le côté universel de ses thématiques.

Vous pouvez vous forger votre propre opinion sur le film en le découvrant aujourd’hui en DVD et Blu-Ray, agrémenté de quelques bonus appréciables…

______________________________________________________________________________

Mother & child Mother & child Réalisateur : Rodrigo Garcia Avec : Naomi Watts, Annette Bening, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Eileen Ryan Origine : Etats-Unis Genre : film choral  Durée : 2h00 Note : ●●●●○○

_______________________________________________________________________________

BONUS

- Making of (15mn)
- Scènes coupées (10mn)
- Bande annonce

Note globale des bonus : ●●●○○○

________________________________________________________________________________

_________________________________________________________________________

ARTICLES LIES

Films autour de la grossesse
Fiche du film sur Cinétrafic